Le idee che hanno salvato Hollywood

E che hanno cambiato il futuro

Matthew Frank sulla newsletter The Ankler segnala 40 idee di business originali che hanno salvato Hollywood. Io ve ne giro una dozzina particolarmente significative e interessanti nella sua traduzione:

2. I libri diventano la prima IP dello schermo

Georges Méliès, mago e regista francese, trasporta una fiaba di Charles Perrault del 1600 - Cenerentola - in un film con un cast completo, musica e diversi set. Il film dura sei minuti scarsi.

3. I brand lasciano il loro marchio

Sebbene il product placement nei film sembri un fenomeno moderno, i fratelli Lumière avevano inserito il sapone Sunlight in una produzione del 1896, per volere dei Fratelli Lever (i precursori di Unilever). Questo è considerato il primo caso noto relativo a questa tecnica pubblicitaria invisibile, quindi prendete nota, Aston Martin e James Bond.

6. Il cinema organizza una festa

“Ho scoperto che il modo migliore per gestire [i registi] era assegnare loro delle medaglie”, ha detto il cofondatore della MGM Louis B. Mayer. "Se avessi dato loro coppe e premi, si sarebbero ammazzati per produrre ciò che volevo. Ecco perché è stato creato l'Academy Award".

12. Desi salva i nastri

Prima di I Love Lucy, quasi tutte le serie venivano girate a New York e trasmesse in diretta sulla East Coast. Gli episodi venivano registrati grazie a un cinescopio, creando una copia scura che le reti solitamente poi gettavano via. Al contrario, Desi Arnaz e Lucille Ball insistettero per girare la loro sitcom a Los Angeles su pellicola. Questo raddoppiò i costi di produzione, ma per convincere la CBS ad accettare, la coppia concordò di ridurre il proprio stipendio settimanale da 5.000 a 4.000 dollari, in cambio dei diritti sulla serie. La scelta non solo si rivelò redditizia per Arnaz e Ball, ma diede anche vita alle repliche e al business della syndication, la prima grande fonte di denaro della TV.

14. La costruzione dell’archetipo di adolescente moderno

Il benessere del dopoguerra ha creato una nuova classe di consumatori, gli adolescenti, ma Hollywood ha definito l'archetipo di questo nuovo pubblico di giovani dotato di tempo libero e reddito disponibile con Gioventù bruciata del 1955. Questo dramma romantico che coinvolge adolescenti di periferia frustrati non solo è interpretato da adolescenti, ma parla loro in un modo autentico che pochi, se non nessun film, aveva fatto prima. James Dean creò l'antieroe nichilista tra i liceali, cosa che lo rese una star e un'icona.

16. Il più grande modello di business di tutti i tempi

Quando Bob Iger dice: “I nostri film devono funzionare per alimentare il resto del business”, si riferisce a un disegno del 1957 che delinea la strategia aziendale di Walt Disney. Il “volano Disney” mostra il core business della Disney, i film, che alimentano le attività televisive, il merchandising e i parchi a tema (Disneyland era stato appena inaugurato nel 1955) e come tutte queste attività generano valore per le altre. Ogni volta che un'azienda parla di avere un volano o aspira a essere la “Disney di X”, sta parlando di questo disegno.

21. Peter Guber annuncia il “nuovo gioco”.

Un anno dopo essere arrivato alla Columbia, nel 1969, al ventisettenne Peter Guber venne mostrato un primo prototipo di videoregistratore. La meraviglia tecnologica lo ispirò a scrivere un saggio di 15.000 parole intitolato The New Ballgame/The Cartridge Revolution. La nota, pubblicata sulla rivista Cinema, anticipava le linee generali dei successivi decenni dell'industria, dal “centro di intrattenimento domestico” all'aumento del valore delle library con l'emergere di nuovi formati, fino alla sinergia dei gruppi dell'intrattenimento. La reputazione di Guber come esperto del futuro e stratega ha favorito la sua ascesa a Hollywood e, sebbene la sua esperienza alla guida di Sony negli anni Novanta sia stata discutibile, anche il suo passaggio allo sport (con partecipazioni nei Dodgers e nei Golden State Warriors) si è rivelato preveggente.

23. Reality Bites

An American Family ha debuttato sulla PBS nel 1973 per offrire un antidoto alle sitcom zuccherose che ritraevano nuclei familiari perfetti. Nel corso delle 12 ore di docuserie che seguivano la famiglia Loud di Santa Barbara, California, gli spettatori hanno potuto assistere ai litigi tra i coniugi Bill e Pat e infine al loro divorzio, nonché al coming out del figlio gay Lance. An American Family ha creato il modello dei reality (The Real World di MTV ha debuttato nel 1992), così come i ritratti di famiglie più complicate, da Giorno per giorno a I Simpson.

29. Prendimi in giro

In TV e al cinema, il formato del mockumentary è diventato uno dei mezzi di narrazione predefiniti. Ma per quanto la troupe di documentaristi visibili (o meno) sia ormai abusata, quando Albert Brooks ha debuttato alla regia di un lungometraggio con Real Life del 1977, si trattava di un approccio assolutamente nuovo. Il film segue Brooks, che interpreta un documentarista che vive per un anno intero con una famiglia disfunzionale (se vi suona familiare, è perché Brooks ha basato la storia su An American Family della PBS). Il co-sceneggiatore di Brooks, Harry Shearer, nel 1984 sarebbe stato protagonista e co-sceneggiatore di un mockumentary molto influente, This is Spinal Tap.

33. I film diventano MTV

Negli anni '30, la lunghezza media delle inquadrature di un film era compresa tra gli 8 e gli 11 secondi. Che lentezza! L'avvento della televisione ha accelerato leggermente questa tendenza, ma i video musicali di MTV negli anni '80 hanno introdotto uno stile di montaggio rapido mai visto prima, che cambiava inquadratura circa ogni tre secondi. Invece di ignorare la tendenza o di combatterla, Hollywood l'ha abbracciata in film come Top Gun. Inoltre, ha rapidamente preso i bravi registi di video musicali e li ha resi dei realizzatori cinematografici, in particolare David Fincher, che ha diretto più di 50 video musicali per artisti del calibro di Madonna, Rick Springfield e Paula Abdul. Il suo debutto nel lungometraggio, Alien 3, magari era “difettoso” (parole sue), ma Se7en (1995), un crudo racconto di serial killer con una sequenza di titoli di testa che ricorda i video musicali che aveva diretto, non lo era.

36. I migliori “200 dollari” mai spesi a Hollywood

La sitcom in live-action più longeva della storia della televisione, C’è sempre il sole a Philadelphia, è nata da un cortometraggio del creatore e protagonista della serie Rob McElhenney. Come l’ha descritta lui, “un amico [va] a casa di un altro amico per prendere dello zucchero, e l'amico gli dice che ha il cancro, e tutto ciò che il ragazzo riesce a pensare è prendere lo zucchero e andarsene”. McElhenney e i suoi futuri colleghi hanno girato questa premessa con una videocamera digitale - che secondo quanto hanno detto, è costata solo 200 dollari, anche se Charlie Day ha dichiarato che non è costata “praticamente nulla” - e il loro video è servito a vendere la serie, che ha debuttato nel 2005. Questa idea ha anticipato YouTube e la sua etica del fai-da-te, e FX ha introdotto l'idea di “progetti pilota di presentazione” come quello di McElhenney nel processo di sviluppo di Hollywood.

39. Hulu aggiunge una versione con pubblicità

Hulu, la joint venture originariamente ideata dai gruppi dei media per competere con YouTube, è diventata subito famosa grazie alla sua ampia library di serie televisive. Meno conosciuta è la sua storia come primo servizio di streaming gratuito supportato da annunci pubblicitari e, nel 2010, come servizio di abbonamento a pagamento che includeva ancora annunci pubblicitari. Hulu ha apportato innovazioni anche all'esperienza pubblicitaria, con un carico di spot inferiore a quello della TV lineare e consentendo agli utenti di scegliere gli annunci che vedevano, definendo così il modello per l'attuale panorama dello streaming.